Aestheticism and “The Importance of Being Earnest”: A Trivial Post for Serious People

Quant’è bella giovinezza
che si fugge tuttavia!
Chi vuole esser lieto, sia,
di doman non c’è certezza.
Quest’è Bacco e Arïanna,
belli, e l’un dell’altro ardenti;
perché ’l tempo fugge e inganna,
sempre insieme stan contenti.
Queste ninfe e altre genti
0sono allegri tuttavia.
Chi vuole esser lieto, sia,
di doman non c’è certezza.
Questi lieti satiretti,
delle ninfe innamorati,
per caverne e per boschetti
han lor posto cento agguati;
or da Bacco riscaldati,
ballon, salton tuttavia.
Chi vuole esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.
Queste ninfe anche hanno caro
da lor essere ingannate:
non può fare a Amor riparo,
se non gente rozze e ingrate;
ora insieme mescolate
suonon, canton tuttavia.
Chi vuole esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.
Questa soma, che vien drieto
sopra l’asino, è Sileno:
così vecchio è ebbro e lieto,
già di carne e d’anni pieno;
se non può star ritto, almeno
ride e gode tuttavia.
Chi vuole esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.
Mida vien drieto a costoro:
ciò che tocca, oro diventa.
E che giova aver tesoro,
s’altri poi non si contenta?
Che dolcezza vuoi che senta
chi ha sete tuttavia?
Chi vuole esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.
Ciascun apra ben gli orecchi,
di doman nessun si paschi,
oggi sìan, giovani e vecchi,
lieti ognun, femmine e maschi.
Ogni tristo pensier caschi:
facciam festa tuttavia.
Chi vuol esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.
Ciascun suoni, balli e canti,
arda di dolcezza il core:
non fatica, non dolore!
Ciò che ha esser, convien sia.
Chi vuole esser lieto, sia:
di doman non c’è certezza.

Now that I think about it, the fact that I have quoted the Magnifico twice in one week (three times if we count this post,) without any Leopardian quotes in the middle, was a clear symptom of this post growing in my mind, and being completed by a surprising staging of The importance of being Earnest, a play that, albeit funny anyway, is irretrievably lame in Italian without the pun that feeds the whole story.

As you know, I am self-taught in English literature, so I have not as much knowledge as I can have in other languages, but there are some authors, and some literary works that have marked my philosophical growth. In general, we can say that the English language and culture have forced themselves into my life for some time, until I just decided that to keep avoiding them was simply pathetic. You can imagine my happiness when, yesterday, I was told that I have no Italian accent in written English. Of course, I have someone to thank for that, but that is another story.

Going back to literature, I have always been interested in Aestheticism and Decadentism more than I have ever liked to admit. The ironic thing is that these movements are deeply rooted in the Italian Renaissance and Humanism, but they flourished almost all around Europe, barely touching Italy, plunged in its self-pitying attitude called Realism back in the XIX century. I can’t avoid asking myself how is it possible that, after living such a prosperous moment in the XV and XVI centuries, Italy abandoned this glorious path to never really return to it.

When I was invited to the play, of course, I accepted on the spot, judging impossible to say no to anything by Shakespeare or Wilde: I support transgression, but that would sound immoral to me! Once again, the theatre offer in London managed to surprise me. The Bunbury Company of Players presents a peculiar metaplay in which the actors are impersonating actors impersonating Wilde’s characters.

The play doesn’t really start or finish in a traditional way, we arrive to our seats and the curtain is not down; the stage is a bright living room in which, soon enough, and without a clear announcement, the actors start walking in as if nothing was happening: our play has started, but theirs hasn’t yet. A measured Patrick Godfrey (George/Merriman) is soon joined by a bubbly Nigel Havers (Richard/Algernon) wearing a Victorian suit and a pair of flashy red Nike trainers. We are still wondering what’s going on, until the sound engineer walks down the stairs to fix a problem: It should be the moment when the illusion collapses, and we step out of the fictitious world, and instead it is exactly when we feel ourselves diving in: The play inside the play is starting as well, and it is dragging us in a timeless place. Ironically, the satire of the society is still relevant nowadays, more than a century since the opening of The Importance. Just some quotes to prove this:

Oh! it is absurd to have a hard-and-fast rule about what one should read and what one shouldn’t. More than half of modern culture depends on what one shouldn’t read.

***

When one is in town one amuses oneself. When one is in the country one amuses other people. It is excessively boring.

***

I really don’t see anything romantic in proposing. It is very romantic to be in love. But there is nothing romantic about a definite proposal. Why, one may be accepted. One usually is, I believe. Then the excitement is all over. The very essence of romance is uncertainty. If ever I get married, I’ll certainly try to forget the fact.

The cast is simply wrong for The Importance, which makes them perfect for this adaptation. Martin Jarvis appears breathless and tired of telling his lines half of the time when acting as Anthony, and yet he is a charming 28+ years old John; Siân Phillips is simply marvelous and regal both as Lavinia and as Lady Blacknell; Havers is incredibly seductive and the two characters of Richard and Algernon are magically tangled and indistinguishable.

There is no real interval, and when we come back from the bar, the cast is already on stage, watching a match on the TV that is conveniently hidden in a XIX century drinks cabinet in George’s and Lavinia’s sitting room. Little by little, we all regain our seats, and at the same pace, the actors walk back on stage, apparently unaware of being there, a group of old friends getting ready to rehearse.

At the end, the different levels slowly converge again to put a perfect seal to the piece. The Importance ends between laughs and applause from the actors themselves: the round brackets are closed. The second play, the one that we actually went to see, ends a minute later, and the square brackets also close around the first ones. It is like in a matryoshka, with the smaller doll of The Importance nestled between the walls of the bigger frame play.

You know what? I want to re-read The Importance of Being Earnest now, and I think that is absolutely fine. After all, as Wilde would say:

If one cannot enjoy reading a book over and over again, there is no use in reading it at all.

30 years later, are we heading towards another wave of Newspeak?

I have just seen 1984, the play. I have read the book something like one year ago, and I cannot believe they managed to create something for the stage that could respect the novel and still be so incredibly surprising at the same time. Mind-blowing is how I described it, because I cannot think of another word that is so close to what the audience experiences. The play starts from the end of the story, so to say, with people from the future analysing Winston’s notes. What I find at the same time clever, spectacular, and disturbing is the mise-en-scene. We are watching what happens to Winston, but we are inside his mind as well. We are Winston and we are Big Brother. We feel his pain, and we share with him the astonishment for what is happening around. However, we also see the images from the screen, what Big Brother is seeing while he controls him. The blackouts and the alarms that we experience constantly are what Winston sees and experiences.

One of the most interesting concepts in the book, from my point of view, was obviously the Newspeak. Unfortunately, this part is one of those that has suffered the most from the cuts needed for the screenplay, and it is, maybe, the only real complaint that I have about the adaptation.

Just to offer a brief summary for those who haven’t read the novel, the story happens in a dystopia, a world of oppression ruled by the Party (also Ingsoc, or English Socialism). This has created a reality in which human beings live in fear, constantly controlled by the Big Brother through the telescreens. In this book, the control of the totalitarian regime is brought to the extreme of even controlling the thoughts of the population. How is that goal achieved? Of course, the presence of screens in the apartments makes almost impossible for people to express their opposition even in private, including putting down on paper what they think. This is the problem that Winston has from the beginning: he knows that what is happening is wrong, and feels the urge to express it in its diary, so that the future generations will be able to know. Exactly as plenty of other chosen character in literature, he has the gift of knowledge, but this talent is not something that makes him happy or better than the rest. On the contrary, because of it, he is upset, he struggles, and he is found guilty and punished. We are seeing, once again, the myth of Adam and Eve. Of course, it is not he only idea inspired in the biblical teaching, so is also the idea of sexcrime.

The other way of controlling the population is the Newspeak. This language, opposed to Oldspeak, or Standard English, works in a completely different way compared to any other language we know, natural or artificial. A language is the mean human beings have to communicate, and the more they know and learn, the more the language evolves and grows. In the case of dying or dead languages, the speakers don’t use them anymore (as it happened with Latin when the vernacular languages gained importance over it), or they disappear (as it has been the case of some aboriginal languages in Australia.) A dead language, however, doesn’t lose its vocabulary, it simply stops in time as it is at that given moment. The case of Latin is different due to the fact that the Catholic Church uses it as its official language, and therefore the vocabulary is being expanded again.

Newspeak is different, its purpose is to prevent people committing thoughtcrime, so it needs to systematically reduce its vocabulary until all thought against the Party is impossible. The Project, such is the name of the plan to promote Newspeak, aims to orderly eliminate,  by 2050, all word that could allow thoughtcrime. One of the ideas is that synonyms are useless, and so are antonyms:

It isn’t only the synonyms; there are also the antonyms. After all, what justification is there for a word which is simply the opposite of some other word? A word contains its opposite in itself. Take “good”, for instance. If you have a word like “good”, what need is there for a word like “bad”? “Ungood” will do just as well — better, because it’s an exact opposite, which the other is not. Or again, if you want a stronger version of “good”, what sense is there in having a whole string of vague useless words like “excellent” and “splendid” and all the rest of them? “Plusgood” covers the meaning, or “doubleplusgood” if you want something stronger still. Of course we use those forms already. but in the final version of Newspeak there’ll be nothing else. In the end the whole notion of goodness and badness will be covered by only six words — in reality, only one word. Don’t you see the beauty of that, Winston?

Not only the Party deprives the citizens of their dignity by cutting the food allowance and starving them, and by putting the children against their parents; it also wants to annihilate the one characteristic that makes them human: the ability to speak. I can’t believe that we currently live in a moment and in countries where we are free to talk and think, and we ourselves torture and maim our own languages writing things such as: “r u ready?”, “c u l8r”, “ikr”, and so on. I am not complaining about what other people do, I recognize that I am guilty as sin as well, and that I often find myself reading the charts of synonyms that I find on Facebook to keep my vocabulary alive and flowery.

L’audiodescription.

Il y a quelques semaines, j’ai reçu un courriel (j’aime bien utiliser ce mot, c’est comme un hommage que je rends à qui m’a beaucoup appris pendant mes études). Donc, ce courriel est le bulletin d’information de l’USAL, et il inclus plein de liens aux livres électroniques dédiés à la traduction. Dans ce cas en particulier, ils parlaient d’audiodescription, et je me suis souvenue de mon travail d’il y a trois ans sur le même sujet.

En fait, le texte original était beaucoup plus long, car il faisait partie d’une conférence sur la traduction dans le cinéma, et il incluait aussi des exemples pratiques de la technique appliquée au film « L’illusionniste » du réalisateur Neil Burger dans sa version espagnole. Comme vous pouvez imaginer, pour des raisons de breveté, et parce que je n’ai pas l’autorisation pour partager le film ici, je ne peux pas inclure cette partie dans mon post, mais je vais quand même vous présenter le reste, c’est-à-dire un peu d’histoire et la description du processus.

 ***

Mesdames et Messieurs les professeurs, chers collègues, bonsoir à tous. C’est un honneur pour moi d’être ici et de pouvoir participer à ces conférences. Ils m’ont demandé de parler d’un sujet qui est très important dans notre société moderne. Malheureusement,  ce sujet n’est pas trop connu, même s’il n’est pas nouveau du tout. Je vais vous parler de l’audiodescription.

Qu’est-ce que l’audiodescription ?

Je vous donne la définition que nous offre le Ministère du Travail de la République Française :

« L’audiodescription est un procédé qui permet de rendre accessible des films, des spectacles ou des expositions aux personnes non-voyantes ou malvoyantes grâce à un texte en voix-off qui décrit les éléments visuels de l’œuvre. La voix de la description est placée entre les dialogues ou les éléments sonores importants afin de ne pas nuire à l’oeuvre originale ».

 L’histoire

Voyons donc un peu d’histoire avant d’entrer dans le processus de l’audiodescription. Comme j’ai déjà dit, l’audiodescription n’est pas une technique nouvelle, car elle date des années ’70. Tout commence en 1975 aux États-Unis ; Gregory Frazier, professeur de l’Université de San Francisco avait été frappé d’entendre l’épouse de son meilleur ami aveugle lui décrire ce qu’il ne voyait pas, alors qu’ils regardaient la télévision. Il en parla avec le doyen de l’université, August Coppola, qui décida alors de mettre sur pied un programme académique. Le premier film en audiodescription présenté aux aveugles est Tucker, du réalisateur Francis Ford Coppola, frère du doyen August Coppola. C’est de cette façon que l’audiodescription commence à se faire connaître et à arriver aux autres pays. Parallèlement, August Coppola et George Frazier organisent la formation des étudiants étrangers dans l’audiodescription, à ce moment appelée « AudioVision ». En 1989, trois Français arrivent à l’Université de San Francisco pour commencer à étudier. À leur retour en France, August Coppola donne à l’Association Valentin Haüy (AVH) l’exclusivité du projet, et des extraits audiodécrits son présentés au Festival de Cannes. Toujours en 1989, le premier film en audiodescription (Indiana Jones et la dernière croisade de Steven Spielberg) est présenté. La première représentation théâtrale ( Le songe d’une nuit d’été de William Shakespeare) est de l’année suivante et elle est présentée au Théâtre National de Chaillot. Actuellement, l’AVH a un catalogue de plus de 300 films en audiodescription.

Des dates importantes pour l’audiodescription en France sont l’année 2005, quand a été publiée la Loi pour l’égalité des droits, des chances, la participation et la citoyenneté des personnes handicapées, dite « Loi handicap », et l’année 2008, quand a été signée la Charte de l’audiodescription entre les professionnels de l’audiovisuel et les associations représentatives du public aveugle et malvoyant. Enfin, en 2009, des professionnels du secteur se joignent à l’ESIT pour mettre au point la première formation professionnelle et qualifiante d’audiodescripteurs.  [

Pour ce qui est de l’Espagne, c’est justement la ONCE, l’Organisation Nationale des Aveugles Espagnoles, qui s’occupe de l’audiodescription. Après des contacts avec le Théâtre National de Chaillot, la ONCE registra le processus sous le nom de Sistema AUDESC et, en 1993, commença un programme de recherche et développement de l’audiodescription. Elle aussi a environ 300 films en audiodescription en VHS et DVD. Ces films n’étaient pas en commerce, et ils n’étaient accessibles que pour les membres de l’association. Heureusement, maintenant, des DVD avec audiodescription se trouvent dans le marché et ils sont doués d’un système de navigation accessible.

Description du processus

Donc, l’audiodescription permet aux personnes non-voyantes ou malvoyantes d’accéder à un spectacle, car elle peut s’appliquer à cinéma, théâtre, télévision, danse, expositions, et à toute expression artistique comportant des images inaccessibles à un public déficient visuel sans aide extérieure, comme nous dit toujours la page du Ministère.

Le processus de l’audiodescription peut être divisé en 4 phases :

―                la traduction

―                l’enregistrement

―                le mixage

―                le pressage

La première phase, dont je vais m’occuper dans mon discours, est celle de la traduction, car on considère les audiodescripteurs comme les traducteurs d’image. L’audiodescription est un type de traduction intersémiotique, parce que il faut passer du langage visuel à la langue parlée, donc, de l’image aux mots. Elle est aussi une traduction subordonnée, car le texte dépend de l’image et de l’espace qu’on a à disposition.

Même si l’audiodescription n’est pas un texte canonique, car elle manque de cohésion, et elle obtient du sens seulement si on l’accompagne de l’image, elle este un type de narration en pleine règle, car elle se base sur les éléments basiques qui forment une histoire : qui fait quoi, où et quand le fait.

La phase de traduction inclut l’analyse, c’est-à-dire le moment où l’audiodescripteur s’approche au film pour connaître ses composants. Il doit être capable de comprendre la structure de l’œuvre, les intentions de l’auteur et tous les éléments sonores et visuels pour pouvoir hiérarchiser les informations. C’est à lui de décider quels sont les éléments visuels à décrire, de définir le temps disponible pour le faire et les moments où placer les descriptions.

L’audiodescripteur doit être fidèle à l’image et à l’intention du créateur de l’œuvre, car il doit permettre que son publique reçoive les mêmes informations que ceux qui peuvent voir les images. Il doit donc restituer la charge émotionnelle de l’œuvre, sa sensation esthétique et sa signification sans pourtant donner une interprétation personnelle, sans juger et sans dévoiler des informations qui vont apparaître plus tard dans l’oeuvre. En réalité, l’audiodescripteur ne devrait pas résumer des éléments avant ou après qu’ils se produisent, mais plus avant dans ce discours je vous présenterais des exceptions à cette norme, car il n’est pas toujours possible de respecter cette règle en donnant toute l’information nécessaire.

Il ne faut pas oublier que le texte audiodescrit doit recréer le composant visuel de l’œuvre ; l’audiodescripteur doit donc avoir des connaissances cinématographiques, car il doit entendre le pourquoi des actions, des choix du directeurs, des cadrages, des couleurs utilisées, etc., pour pouvoir comprendre ce qui est important et ce qui ne l’est pas, et pouvoir ainsi le décrire. Ainsi, il doit avoir des compétences narratives et une parfaite maîtrise de la langue pour pouvoir recréer les images avec les mots et faire que se crée une image mentale immédiate dans les spectateurs.

Pour le faire, il faut décrire correctement les personnes mais aussi l’environnement. Dans le cas des personnages, l’aspect est très important, c’est-à-dire sa taille, sa constitution, ses cheveux, son visage, son age, etc., ainsi que ses vêtements. Il devra aussi décrire son attitude, les gestes et l’expression. Chaque pays a son style en audiodécrivant : en Allemagne, par exemple, on n’utilise pas de descriptions des sentiments, seulement de l’attitude ; en France c’est presque pareil, et en Espagne aussi, même si avant on tendait à donner plus d’importance aux sentiments. Au Royaume Uni, les descriptions sont très précises, avec beaucoup d’adjectifs et de verbes spécifiques, sans laisser des espaces de silence, tandis qu’en Espagne on préfère laisser des silences pour que le spectateur puisse créer ses images.

Dans la description de l’environnement, on préfère toujours décrire ce qui se meut face aux éléments statiques, et on décrit la décoration, l’illumination et les couleurs. L’emplacement est très important pour que le publique puisse se situer, voila pourquoi les éléments qui décrivent l’emplacement sont soulignés, en les plaçant au principe ou à la fin du fragment décrit.

Pour ce qui est de la morphosyntaxe, nous voyons une absence presque totale des passives et une prédominance des verbes au présent, les rares cas de futur on les trouve quand l’audiodescripteur est obligé à avancer quelque chose que va apparaître ou va passer plus tard. La syntaxe présente des propositions simples, des structures traditionnelles sujet + verbe + complément, et des propositions coordonnées dans la presque totalité.